Prix de Rome 1900-1909

[1] Parmi ses nombreux élèves, signalons Louis Guillaume Guglielmi (1916-1991), aussi élève de piano dans la classe de Lazare Lévy, qui fréquenta sa classe d’harmonie à la rentrée scolaire de 1934. Mais, il en démissionna au bout d’une année, en octobre 1935. Connu sous le nom de « Louiguy », il fit une brillante carrière dans la variété. Un temps pianiste d’Edith Piaf dans les années quarante, il lui composa plusieurs succès dont La vie en rose (1945) et pour d’autres interprètes écrivit des chansons populaires pour Maurice Chevalier, Georges Guétary, André Claveau, Yvette Giraud. Parallèlement, il composa de la musique pour près d’une centaine de films entre 1946 et 1968. Son épouse (en 1937) Andrée Castel (1915-2000) était violoncelliste de profession. Dans les années 1950-1960 elle fit partie du « Trio de Lutèce » avec Catherine Brilli (pianiste) et Jacqueline Brilli-Girard (violoniste).

A cette même rentrée de 1934, un autre élève également futur musicien de variétés, fut admis chez Raymond Pech : Ange Betti (1917-2005), plus connu sous le nom de « Henri Betti ». 1^er accessit d’harmonie en 1937, pianiste de Maurice Chevalier durant la guerre, il lui écrivit plusieurs chansons. De nombreuses autres de son cru seront être interprétées par Joséphine Baker, Bourvil, Reda Caire, Suzy Delair, Fernandel, Henri Génès, Yvette Giraud, Jean Marco, Yves Montand, Tino Rossi… On lui doit aussi des opérettes et pièces de théâtre, des revues de casino (Folies Bergère, Moulin-Rouge, Lido) ainsi que des musiques de films et pour la télévision.

PHILIPPE GAUBERT

en 1929, par Charles Tournemire

Jeune encore, Philippe Gaubert a servi la musique avec un relief tellement particulier qu'il parait aujourd'hui opportun de lui consacrer une étude aussi complète que possible. Ses succès au Conservatoire furent très grands : il obtint avec facilité un éblouissant premier prix de flûte ; très peu d'années après cette première distinction, il égalait son maître Taffanel quant au style et à la sonorité. On sentait déjà qu'une invisible fée s'attachait à ses pas, elle ne devait plus l'abandonner. Gaubert obtint rapidement un remarquable premier prix de fugue et un premier second grand-prix de Rome. C'est alors qu'il fit carrière retentissante de flûtiste ; mais, en lui, il y avait déjà des aspirations d'un ordre différent : la composition musicale et l'art de la direction d'orchestre.

Aux pupitres de la Société des Concerts du Conservatoire et à l'Opéra, tout en accomplissant à merveille sa tâche de première flûte, il observait avec la plus sérieuse attention la structure des multiples œuvres aux exécutions desquelles il prenait part, le « rendu, » orchestral de chacune d'elles. Insensiblement il s'assimila mille choses fort utiles qui devaient faire de lui l'artiste complet d'aujourd'hui. Il venait d'être nommé deuxième chef de la Société des Concerts lorsque là-guerre le prit. Trois années de front ! Verdun ! Nous savons qu'il revint avec la croix de guerre, ce qui atteste son courage. Une année après l'armistice, trois nominations d'importance firent immédiatement de Gaubert un personnage de tout premier plan dans les hautes sphères musicales de Paris : professeur au Conservatoire, premier chef d'orchestre de l'Opéra, chef d'orchestre de la Société des Concerts. Evidemment, après ce triple succès, il convenait d'honorer cette ascension rapide, et, pour ce faire, le Ministre des Beaux-Arts nomma notre musicien chevalier de la Légion d'honneur en 1921, puis officier tout récemment.

Le but de cette étude étant de pénétrer autant que faire se peut le compositeur, nous allons entretenir le lecteur de l'importance probablement insoupçonnée de ses œuvres. Nous laisserons de côté, avec regrets, le chef d'orchestre magnifique, un des premiers du monde, incontestablement. Si l'on songe aux multiples occupations qui, depuis de nombreuses années, submergent la vie de Gaubert, il y a lieu de s'étonner qu'il ait pu réaliser des œuvres ne sentant jamais la production hâtive, cela tient à la conscience de l'artiste, à l'impérieuse nécessité de chanter sincèrement les champs ensoleillés, la mer à la fois douce et terrible, les sentiments intimes du cœur. En ces pensées est le refuge de l'artiste. Il est légitime, pendant la période estivale, qu'il cherche à oublier les longs mois d'hiver vécus pour les autres, afin de magnifier leurs œuvres. Il se cherche alors à la clarté des deux, et dans un bel élan il atteint l'Idéal qu'il va concrétiser en des œuvres claires, pénétrantes. Nous allons voir de quelle manière et sous quelles formes.

Les œuvres les plus anciennes remontent à l'année 1908 (abstraction faite des travaux préparatoires et des cantates de Rome). Nous y trouvons une rapsodie pour orchestre : Dans la montagne. La caractéristique de cette oeuvre est la rudesse, la vigueur et la chaleur des teintes, une mélodie : Soir païen (avec flûte) marque déjà une date dans la manière très fine d'envelopper de vaporeuse musique les beaux vers de nos grands poètes français.

En 1910 : Poème pastoral en trois parties pour orchestre, exécuté chez Lamoureux sous la direction de Camille Chevillard. Ciel lumineux, telle, est la note dominante de ces pages.

Nous voici en 1911, année heureuse qui nous donna une des œuvres les plus marquantes : Le Cortège d'Amphitrite, poème symphonique pour orchestre, très connu. La pensée des poètes qui représentent la déesse de la mer se promenant sur les eaux, dans un char en forme de coquille, traîné par des chevaux marins, tenant à la main un sceptre d'or pour marquer son autorité sur les flots, est exprimée par le musicien supérieurement ; nous y retrouvons le sens aigu de la mer. L'orchestration est éblouissante, les timbres se fondent en de belles vagues sonores.

1912 fut une année de grand travail : c'est alors que Philotis, ballet grec en deux actes, fut conçu. Cette œuvre, évoquant l'antiquité en de subtiles danses puisées à une authentique source, fut prétexte, pour le musicien, à écrire une partition orchestrale d'une couleur singulière. L'Opéra monta Philotis qui obtint la faveur du public.

Avec l'année 1913, nous entrons dans la production intensifiée puisque nous relevons un épisode de la Révolution russe (1905) : Sonia, trois actes créés à Nantes avec grand succès. Ajoutons-y une œuvre devenue célèbre : Au jardin de l'Infante. L'un des huit lieder qui la composent, Il est d'étranges soirs, est orchestré. La justesse de touches, la pureté de la déclamation, l'ingéniosité de l'enveloppement du piano, unies à une intuition poétique en éveil, donnent à chacun de ces lieder un charme savoureux, j'en atteste. Nuit blanche, Il est d'étranges soirs, à la prosodie d'une étonnante légèreté, à la fluidité de la pensée et à la péroraison dramatique très vraie. L'Indifférent s'adapte avec fidélité à la poésie doucement pénétrante de Samain. Arpège, très orchestral, est un lied que l'on aimerait entendre dans un parc mystérieux baigné d'ombre. Hiver étreint les âmes sensibles. Il s'en dégage une réelle ; angoisse : « Monte, monte, ô mélancolie/ Lune des ciels, roses des défunts. » Musique sur l'eau, d'une ligne pure, aux harmonies précieuses, est chose adorable. J'ai rêvé d'un jardin primitif débute, en quintes ; la souplesse du milieu est manifeste et la conclusion saisissante. Enfin, Chanson d'été nous fait, comprendre l'amour du musicien pour la nature. Je tenais à insister sur ce recueil exquis. Signalons une Fantaisie pour clarinette et piano, parfaite d'écriture, de nombreuses pièces pour flûte, et harpe.

1914 ! Arrêt assez bref ! Mais en 1915, notre combattant trouve moyen d'écrire au front Aquarelles. Trois pièces de musique de chambre pour violon, violoncelle et piano qui sont comme une renaissance à la vie artistique, en dépit du drame inouï. C'est de cette époque que date aussi la caractéristique Sonate pour violon et piano, composée en majeure partie dans les tranchées, près- des Eparges. Au front également ont été composés deux petits chefs-d’œuvre : Soleils couchants, les Yeux.

Philippe Gaubert
(photo Roger-Viollet) DR.

1916 et 1917, le silence... Les combats !

En 1918 naît la Première Sonate pour flûte et piano. Cette œuvre chante avec douceur, à la clarté, d'un matin le retour aux possibilités de savourer la vie des champs en toute paix.

De 1919 à 1922, long travail de Naïla, œuvre maîtresse sur laquelle nous nous étendrons un peu, mais avant il convient de mentionner une légende pour orchestre, chœur et soli : Josiane, exécutée chez Colonne avec grand, succès.

Naïla ! Nous serions curieux de savoir la raison pour laquelle nous n'avons été gratifiés que d'un nombre parcimonieux de représentations de cette œuvre à l'Opéra ! C'était pourtant un spectacle infiniment attachant. Faut-il donc qu'automatiquement disparaissent de l'affiche les meilleures conceptions modernes, sans qu'il ait été possible de se les assimiler complètement ? On se souvient de ce conte oriental, des décors savoureux : une terrasse du palais, une grande salle à l'entrée du harem, la campagne, une cabane dans un jardin. Le premier acte, constitue une très poétique « exposition » de l’ouvrage, de construction magnifique. Les, appels à Mithra sont enveloppés de luxuriantes harmonies ! Louons au passage des richesses sonores de premier ordre, notamment : « Elle noue à mon col ses bras, d’ivoire… », plus loin : « Un jour Mithra, Dieu du soleil », aux accents d'une grande noblesse. La deuxième scène, au moment où paraît Naïla, une gerbe dans les bras, est émouvante : « Alors, dans la forêt voisine, je cueille des fleurs », frappe l'auditeur-musicien par de doux accents. Toute la partie qui enveloppe la fin de cette scène, bâtie sur un thème persan, met en relief la musicalité et la science orchestrale de l'auteur.

L'acte II débute par une superbe mélodie arabe exprimée par le cor anglais qui se détache sur un fond de harpes et des « dessous » d'orchestre d'une impalpabilité délicieuse. La fin du jour approche ; rapidement nous arrivons à un chœur de coulisse pour soprani et ténors : « Gaiement vers le soleil monte une folle nue ». Puis, reprise de cette mélodie arabe si prenante. Dans une atmosphère d'angoisse, Naïla, dont les cheveux flottent dénoués, subit la dureté du roi persan Rahman : elle doit de ses mains, suprême humiliation, attacher ses propres torsades aux chevilles de sa rivale triomphante, la favorite Féridjé. La musique exprime cette scène pénible avec une vérité émouvante. Pourquoi vivre ainsi, en de si dures circonstances ? Mieux vaut partir ! Mais, tout s'adoucit par la pitié du magicien des sons. Naïla va emporter sur son cœur un coffret contenant une fleur, une petite morte... La lune s'est levée ! la nature s'endort et veille sur la vérité de l'amour... Éternelle vérité, admirablement comprise, traduite au chant et à l'orchestre. C'est une vision anticipée du triomphe d'une âme cristalline sur la vanité, et les décevantes jouissances, d'ici-bas.

Avant que de passer à l'acte suivant, gardons-nous d'oublier, les Danses orientales, très rutilantes. Elles ont été jouées avec le plus vif succès, chez Colonne et à la Société des Concerts.

Dans l'acte III, un large sentiment de la nature s'exprime en un beau prélude. Naïla est enveloppée de mystère et n'espère plus rien sur terre ! Mais, tout à coup, Rahman arrive... Chez Naïla, réveil de l'âme, vibrations trop, fortes ! Chez lui, que de regrets lorsqu'il chante : « O misère des grands ! Oh ! Vivre simple ! ... » Le début de la troisième scène est fort émotionnant, car Naïla tient sur son cœur le coffret et s'adressant à la rose : « Dors ! Il ne faut jamais se réveiller ». Musique insondable. Et quel symbole ! Il va nous conduire à la fin de l'ouvrage. Hélas, l'union ne se fera pas sur terre !

Dans un sourire d'extase Naïla s'adresse au Dieu Mithra : « Dieu de lumière, Dieu d'amour ! ». Puis, c'est la mort, ou plutôt la vie... Toutes les nuances infinies de cet acte sont exprimées par la musique magnifiquement.

Au sentiment de la nature s'ajoute l'attendrissement, pour la souffrance humaine. Ce sont précisément ces deux grands leviers qui donnent aux pensées dé Philippe Gaubert, à sa musique, à son orchestre, une haute signification.

Et maintenant, pour donner une idée de la puissance de travail de ce maître, il ne faut pas oublier qu'entre temps à été créée la Fantaisie pour violon et orchestre dédiée à Jules Boucherit. Cette œuvre se joue fréquemment dans les grands centres musicaux. Elle fût exécutée en première audition par l'éminent dédicataire, chez Lamoureux.

Nous ne voyons rien en 1923.

Par contre, en 1924, la récolte a été fructueuse : une Deuxième Sonate pour flûte et piano, plus lumineuse encore que la première ; la création des Quatre Ballades de Paul Fort et de Fresques, petit ballet exquis représenté à l'Opéra. Les quatre ballades ont un relief très grand. Le départ du matelot a un grand caractère. Sur la mère au pâle soleil est un lied qui atteste une fois de plus la haute compréhension de la mer. S'ils gagnent la bataille est tout à fait XIIIe siècle ; les harmonies ont une réelle saveur évoquant cette époque. Enfin, Le ciel est gai, c'est joli mai est encore un hommage à la mer, mais à la mer douce comme une belle ligne de chant grégorien.

1925 a vu éclore un ballet inédit en deux tableaux : Le ballet de la rose que nous ignorons.

En 1926 : Esquisses pour violon et piano. C'est une belle suite contenant quatre parties variées. Extase nous transporte dans les régions sereines ; les harmonies sont subtiles, la « rentrée » adorable et la fin d'une joliesse accomplie. Voiles blanches au crépuscule, lied qui contient une montée aux savoureuses harmonies. Le tout forme un petit tableau brossé de main de maître. Une chasse au loin est fort pittoresque. Là-bas, très loin, sur la mer affirme à nouveau l'amour des flots. A la fin, on y trouve des enchaînements harmoniques de choix.

1927 nous a valu : Ballade pour flûte et piano dédiée à « ses élèves » ; elle porte la « marque de fabrique », selon la formule de Franck. Puis Trois Ballades de Paul Fort, aussi belles que celles dont j'ai parlé plus haut. L'une de ces ballades est orchestrée et a été chantée aux Concerts-Lamoureux. Les Trois Pièces pour violoncelle et piano : Lied, Menuet, Cortège peuvent être considérées comme un enrichissement de la musique moderne de violoncelle.

En 1928 : Les Stances. Œuvre également célèbre. (Poèmes de Jean Moréas) : Quand reviendra l'Automne est une page aux larges harmonies. Roses en bracelets est exprimé avec finesse. Belle lune d'argent témoigne d'un enveloppement poétique, la rentrée est un petit chef-d’œuvre. Quand je reviendrai m'asseoir recèle de belles choses. Dans le jeune et frais cimetière, œuvre s'apparentant aux mélodies de Schubert par un certain ton majeur, charme nos cœurs émus. Avril sourit, petite page délicate comme un fil d'or, se termine de manière colorée, tel un ciel nacré. Ah, Fuyez ! malheureuses pensées est une invocation à la nature. Toute la suite est orchestrée ; elle sera entendue ce mois-ci à la Société des Concerts, où la grande cantatrice Germaine Lubin saura la magnifier par son interprétation.

Le Concerto pour violon avec accompagnement d'orchestre sera exécuté prochainement chez Lamoureux et la Société des Concerts par Firmin Touche, l'éminent professeur au Conservatoire, et Merckel. L'œuvre est d'un seul tenant. Remarquons une chose neuve : à l'inverse de la lignée des concertos, le début de celui-ci ne comporte pas de tutti. Le soliste prend immédiatement la parole. Les quatre notes qu'il fait entendre vont devenir l'idée ascendante du premier mouvement. C'est fort curieux, attachant. Le Lied amené par un « pont » d'une simplicité voulue, est une page du premier ordre. La « soudure » qui relie au final reste dans l'atmosphère de grand calme, puis, soudain, éclate en pleine joie la troisième partie. La cadence qui veut n'en point être une a un charme qu'il convient d'apprécier hautement. Sous cette cadence, signalons un changement d'accord qui donne une impression atonale. Puis, c'est la résolution en une ligne virginale qui prend, insensiblement, la physionomie d'un lien qui ramène le thème initial du final. L'œuvre s'achève en pleine lumière.

Pour terminer cette étude, insistons sur : les Chants de la mer. Ce triptyque a frappé tous les musiciens et a été loué dans toute la presse. Voici donc l'aboutissement de la deuxième « manière » de Philippe Gaubert. Nous ne pouvons mieux faire que de citer quelques lignes écrites sur cette œuvre par M. Paul Bertrand en ce journal [Le Ménestrel], le 18 octobre dernier [1929] :

« L'auteur a traité ce triptyque avec une habileté rare. Son premier tableau, taillé en pleine pâte symphonique formée d'harmonies chatoyantes, est d'une sonorité pleine, somptueuse, frémissante. La ronde se déroule ensuite sous forme d'un scherzo de l'agrément le plus vif, et le troisième morceau témoigne d'une force d'évocation singulière, avec ses effets lointains de trompette et de cor en sourdine, se détachant sur la troublante pédale des cordes et auxquels succède une délicate touche de flûte suggérant le mystère de la nuit tombante ».

Cette belle œuvre a déjà été exécutée deux fois chez Colonne. Deux nouvelles auditions s'annoncent à la Société des Concerts et chez Poulet.

Philippe Gaubert ne s'arrêtera pas là. Nul doute qu'il ne s'emploie à porter de plus en plus haut ses pensées de poète, de musicien, vers les sommets peu explorés où tout est Paix et Lumière éternelles. Il est sur cette grande voie à jamais consolatrice.

(in Le Ménestrel, 13 décembre 1929)

PHILIPPE GAUBERT

vu par Louis Beydts en 1947

On dit de la reconnaissance qu’elle est un devoir. Je crois plutôt qu’elle est un plaisir, et le plus doux parce que le plus tenace, le plus profond parce que le plus réfléchi.

Le métier que, d’autre part, nous exerçons, nous, compositeurs, ne trouve pas de fin en soi. Que nous déployions du génie, que nous prodiguions du talent, que nous manifestions de l’habileté, et tout est encore à faire, car nous devons alors nous mettre en quête d’un virtuose ou d’un chanteur qui nous interprète, d’un théâtre qui nous représenta, d’un orchestre qui nous joue.

On parle parfois de l’égoïsme des artistes. Si quelqu’un ignore ce travers, c’est bien le chef d’orchestre. Certes, l’exécution des œuvres connues peut fournir une satisfaction à sa vanité. Cependant, comment ne serait-il pas désintéressé lorsqu’il se penche sur des pages encore ignorées, et qu’il dépense à leur bénéfice, son temps, sa patine et son prestige ?

Il arrive aussi parfois, qu’à ces tyranniques obligations, le professorat ajoute la longue chaîne de ses patients devoirs. A l’ardeur des jeunes volontés, aux promesses des intelligences inexpertes, le Maître vient mêler les bienfaits de son expérience ; il fait siennes les ambitions et les inquiétudes de ses disciples, il tremble ou se réjouit pour eux comme pour lui-même, il partage avec eux ce qu’il a de meilleur en lui.

Ces sentiments généreux, ces contraintes sans calcul consenties, Philippe Gaubert les a éprouvés, Philippe Gaubert s’y est soumis. Il n’est pas d’existence qui, plus complètement que la sienne, ait été vouée à la Musique.

A seize ans, il obtient le premier prix de flûte au Conservatoire de Paris, entrant peu après à l’orchestre de l’Opéra en même temps qu’il s’inscrit aux classes de composition. Le virtuose, partout applaudi, devient bientôt second chef à la Société des Concerts. La guerre éclate sans que lui soit épargné aucun des périls qu’elle entraîne. Puis voilà Philippe Gaubert, premier chef d’orchestre de la Société des Concerts, professeur de la classe de flûte au Conservatoire, directeur de la musique à l’Opéra et professeur de la classe d’orchestre.

Le travail seul le délasse du travail, et la liberté qui lui manque, pour édifier son œuvre personnelle, il la prend sur ses vacances, qu’il emploie à composer sans relâche. Entre temps, il voyage à la tête de son orchestre, à moins qu’il ne s’empresse de répondre aux invitations que lui adressent les Sociétés Symphoniques de province et de l’étranger. On se demande quand il aura vraiment connu le bienfait et le réconfort du loisir.

Cédant enfin aux vœux des siens, plus soucieux que lui-même de sa santé et de son repos, s’il abandonne la présidence de la Société des Concerts, c’est pour être nommé directeur de l’Opéra, où il se voit obligé de satisfaire à d’innombrables devoirs administratifs, sans cesser de monter au pupitre. Après l’armistice, il conduit les Concerts Pasdeloup. La Radio l’emploie, l’Opéra l’accapare, mais il trouve le temps — qu’il vole à son sommeil — d’écrire en quelques mois, un ballet aux proportions parfaites Le Chevalier et la Damoiselle, chef d’œuvre chorégraphique de ces trente dernières années, dont la création s’achève sur des clameurs d’apothéose.

Et le voilà, quelques jours après, terrassé inexplicablement par une mort brutale...

On aimerait s’attarder à considérer tous les aspects d’une œuvre aussi abondante, aussi variée, aussi accomplie que celle de Philippe Gaubert, musique de chambre, mélodie, poème symphonique, opéra, tous les genres l’ont tenté, et, dans chacun d’eux, il a atteint la réussite absolue. Cependant, toutes ses qualités, tous ses dons se sont épanouis sous une forme idéale, le ballet. A ce musicien épris de la vie, à ce tempérament généreux, la danse apportait un élément providentiel d’inspiration, et jamais, sans doute, il n’aura connu une fortune plus complète que dans sa dernière œuvre, Le Chevalier et la Damoiselle, dont la réalisation plastique s’affirma, en outre, comme un miracle de somptuosité, d’invention et de goût. Puisse le délicat enchantement s’en ranimer bientôt !

Que ne nous réservait encore un tel musicien, s’il avait vécu la longue existence qui lui semblait promise, et qu’une ineffable tendresse parfumait des plus pénétrantes délices ! Car, quelque importante que demeure l’œuvre édifiée par Philippe Gaubert, son destin nous apparaît comme inaccompli et sa place reste vide. Comme il reviendrait vite parmi nous, cependant, si la chaleur des larmes pouvait rendre la vie !

Retenons son exemple et restons fidèles à son souvenir ; nous ne serons jamais aussi attachés à Philippe Gaubert qu’il nous fut prodigue de son cœur et de son talent.

(in Revue musicale de France, n° 12, octobre 1947)

Philippe Gaubert, Soir d’Automne, dédicacée “à Madame Fr. Melays”, n° 2 des Trois aquarelles, trios pour piano, violon ou flûte et violoncelle (Paris, Editions Maxime Jamin, 1921). Fichier audio par Max Méreaux (DR.)

La Bibliothèque nationale du Québec propose en ligne plusieurs enregistrements sonores de compositions de Philippe Gaubert : résultats de recherche.

Fils de Gustave Dumas, professeur au Lycée de Vanves, professeur de l’Université, et de Claire Roger, Louis, Charles Dumas est né le 24 décembre 1877 dans le quinzième arrondissement parisien, au sein d’une famille où la musique est à l’honneur : sa mère est professeur de piano et bonne chanteuse amateur, sa grand-mère maternelle née Cécile Bizot (1833-1919), dotée d’une fort belle voix chante également et ses parents François Bizot (1801-1858) et Marie Jeanne Martin (1807-1890) ont tous deux fait carrière dans la musique comme chanteurs et professeurs de chant ; François Bizot a notamment créé le rôle du Comte Almaviva dans la traduction française (par Castil-Blaze) du Barbier de Séville de Rossini le 6 mai 1824 à l’Odéon de Paris.

La littérature et la poésie sont aussi vénérées dans ce milieu : son oncle Léon Roger (1859-1928), homme de lettres, poète et critique d’art, connu sous le nom de Roger-Milès, est un temps directeur du Figaro Illustré, et son frère Charles Dumas, né en 1881 et « mort pour la France » le 31 octobre 1914, est un poète dont la carrière sera brutalement interrompue à l’âge de 33 ans, tué sur le champ de bataille d’une balle qui lui traverse la carotide. Poète d’une sensibilité délicieuse », celui-ci avait déjà obtenu quelques succès auprès des lettrés avec 2 recueils de vers remarquables : L’Eau souterraine, prix Sully Prudhomme (Paris, P. Ollendorf, 1903) et L’Ombre et les proies (Paris, P. Ollendorf, 1906) et un poème dramatique en un prologue et 3 parties intitulé Stellus (Paris, Lemaire, 1916) dont la musique de scène sera composée plus tard par son frère Louis qui va le créer au Grand Théâtre de Dijon le 17 février 1944.

Dans un tel milieu où on pratique ainsi la musique, en même temps que des études au Lycée Michelet de Vanves, là même où le musicologue et philosophe Paul Landormy (1869-1943) et l’écrivain normalien Romain Rolland (1866-1944) firent leurs études secondaires, Louis Dumas prend des leçons d’harmonie auprès de Jules Bouval, ancien lauréat du Prix de Rome et organiste de Saint-Pierre de Chaillot. Son bac ès lettres obtenu, il rejoint bientôt le Conservatoire de Paris. Tout d’abord auditeur dans une classe de violoncelle, il entre ensuite élève dans les classes de contrepoint et fugue de Georges Caussade, d’harmonie de Xavier Leroux (2^ème accessit en 1897 puis 1^er prix en 1901) et de composition de Charles Lenepveu (1^er prix en 1905).

En 1905, il concourt pour le prix de Rome avec la cantate Maïa (paroles de Fernand Beissier) qui lui vaut un deuxième second Grand Prix. Se présentant à nouveau l’année suivante avec la cantate Ismaïl (paroles d’Eugène Adonis), il décroche cette fois le premier Grand Prix. Jean d’Udine (pseudonyme du compositeur Albert Cozanet) ayant assisté à Paris à l’exécution de cette scène lyrique en novembre 1906 écrit : « … il y a des endroits heureux, notamment une marche de caravane dont l’air se meurt au loin sous les paroles d’un duo assez dramatique. Le tout est d’un musicien délicat et ordonné… ».

C’est alors le traditionnel séjour à la Villa Médicis qu’il effectue de janvier 1907 à décembre 1910. Durant cette période à Rome il compose plusieurs œuvres imposées par le règlement ; (1^ère année, 1907) : un Quatuor à cordes en mi majeur en 4 parties, dédié au violoncelliste Raymond Marthe, interprété en mai 1908 à la Société Nationale par MM. Chailley, Gravand, Jurgensen et Schidenhelm, « contient d’excellentes pages, pleines de forte originalité » et des Mélodies avec accompagnement de piano ou d’orchestre parmi lesquelles Sur une tombe (paroles de son oncle Roger-Milès), Mon rêve familier (Paul Verlaine) dédié « à Charles Dumas », Des fleurs (paroles de son frère Charles) ; (2^ème année, 1908) : une Symphonie romaine en 4 parties et une scène lyrique Laure et Pétrarque ; (3^ème année, 1909) : l’Ouverture du drame Stellus et une Fantaisie pour piano et orchestre, (4^ème année, 1910) : un conte lyrique en 4 actes Le Médecin de Salerne. Egalement à mentionner parmi ses envois de Rome La Chanson de l’amour (poésie d’André Rivoire), chœur pour voix de femmes avec accompagnement de piano, qui est exécutée le 21 décembre 1911 à la salle de la rue Bergère par l’Orchestre de l’Opéra et les Chœurs du Conservatoire dirigés par Henri Büsser lors d’une séance consacrée aux envois de Rome de l’auteur. C’est durant ce séjour à la Villa que le peintre Georges Leroux (1877-1967), premier Grand Prix de Rome de peinture la même année que lui, peint son portrait jouant du violoncelle.

Sur son Quatuor René Dumesnil écrira plus tard en 1949 : « … [il] sait allier la solidité d’une forme classique à une hardiesse de bon aloi dans ses compositions symphoniques, ou dans ses œuvres de musique de chambre. Son Quatuor à cordes est d’un beau sentiment poétique » et Jules Combarieu en 1923 « … œuvre pleine de poésie, où la forme classique soutient des harmonies délicates et hardies qui le rattacheraient à l‘école avancée. » Quant à l’Ouverture de Stellus, elle est notamment jouée en direct à la radio le 19 mai 1946 à 17h30 par Jean Clergue à la tête de l’Orchestre symphonique de la radio. En commentaire on peut lire : « … s’inspire d’un texte de Charles Dumas, qui porte ce titre. Le compositeur cherche à fixer les traits du héros, le chimérique et jeune prince Stellus dont l’âme également éprise d’action et de rêve agonise en proie à ce dualisme qui est comme son essence et sa loi ».

La composition, il l’avait déjà pratiquée lors de ses études au Conservatoire. On lui connaît en effet durant cette période plusieurs pages de musique de chambre et des mélodies éditées : Romance en sol, pour flûte avec accompagnement de piano (Paris, A. Quinzard, 1899), Barcarolle, pour piano, op. 2 (Paris, A. Leduc, 1903), Lamento, pour violoncelle ou alto avec accompagnement de piano (id.), Romance, pour violon, violoncelle avec accompagnement de piano (id.), Chanson d’automne, pour une voix et piano, poésie de Jean Lorrain (Paris, Leduc, 1904), Chanson d’avril, poésie de Jean Lorrain (id.), Romance pour orchestre (id.), Soupir, pour une voix et piano, poésie de Sully Prudhomme (id.), Sonate pour violon et piano en ré mineur, op. 8 (Leduc, 1906).

Avant son départ de Rome, au cours de ses études au Conservatoire il avait intégré comme violoncelliste le « Quatuor Luquin » où on le trouve en 1903 et 1904 aux côtés de Fernand Luquin (violon), Henri Dumont (second violon) et Alexandre Roelens (alto). Cette formation qui se produisait en concert, notamment salle Erard, participait également aux conférences musicales de Paul Landormy à l’Ecole des Hautes Etudes Sociales, présidées par Romain Rolland. A son retour à Paris en 1911, alors domicilié 34 rue Lecourbe et jusqu’à la déclaration de guerre il participe encore à des séances de musique avec le « Quatuor Luquin » ou avec d’autres partenaires, entre autres, en 1913 le violoniste Oberdoerffer. Mais, déjà en 1897, il se produisaitt en public avec son instrument, entre autres le 23 octobre dans un concert organisé par l’« Union Chrétienne de Jeunes gens » au cours duquel il interprétait la Tarentelle op. 33 pour violoncelle de David Popper. La même année, le 8 décembre, au Théâtre d’Application (la Bodinière) de la rue Saint-Lazare, il était applaudi dans un concert donné par l’« Association amicale des élèves de l’Union française de la jeunesse » ; le 24 février 1898, c’est au Vésinet (Yvelines) qu’il se trouvait avec son violoncelle dans un concert offert aux convalescentes de l’Asile National et le 10 mai de cette année participait au vingt-huitième concert donné à la salle Charras, située dans le neuvième arrondissement parisien, au profit de l’hôpital homéopathique Hahnemann.

A son retour en France plusieurs de ses oeuvres sont publiées par l’éditeur parisien Pierre Lafitte et Cie de l’ avenue de l’Opéra, dans les Album Musica : Neige pour piano, dédiée « à André Salomon » (n° 87, 1909), Les Stalactites, chant et piano (n° 105, juin 1911), Elégie pour violoncelle et piano (n° 112, janvier 1912), Berceuse pour violon et piano (n° 126, 1913) et par les Editions Maurice Sénart : Impromptu pour piano en mi bémol majeur, dédié « à Maurice Le Boucher » (1913). Une page pour orgue, sans doute la seule pour cet instrument qu’il a écrite, intitulée Pièce en mi majeur, est aussi éditée par Joseph Joubert dans Les Maîtres contemporains de l’orgue (1^er volume, 1911, Paris, Sénart).

Rappelé aux armées le 4 août 1914, sergent au 30^ème Régiment territorial d’infanterie puis au 73^ème, il participe à la campagne contre l’Allemagne jusqu’au 11 février 1919, date de sa libération, se retirant alors rue Lecourbe. Le 27 février 1916, il est cité à l’ordre du régiment : « Adjoint au Major des tranchées, s’acquitte avec une bravoure qui touche à la témérité de reconnaissances dangereuses. Toujours sur la brèche et prêt à tout dévouement » et est décoré de la Croix de guerre avec étoile de bronze. Pendant la guerre, il compose des chants : La Plainte du village, pour ténor solo, ténor et basse, Chant de Noël pour les enfants des soldats, pour mezzo solo, soprano, ténor et basse ; ces deux chants écrits au front, le premier, en juillet 1915 à Elverdinghe (Belgique), le second, en décembre de la même année, à Westvleteren (Belgique) sur des poésies de Fernand Bontron, sous-lieutenant au 73^ème Territorial, où lui-même est affecté à cette époque, sont exécutés le dimanche 17 juin 1917, salle des Concerts du Conservatoire à Paris, par Jean d’Arral (ténor solo), Honoré Snell (ténor), Charles Mahieux (basse), Hélène Duvernay (mezzo), Mme Outhier (soprano) et Marguerite Willemin au piano.

Quelques mois après son retour dans la vie civile, Louis Dumas est nommé le 1^er mai 1919 directeur du Conservatoire de Dijon, poste qu’il va occuper durant 33 années. Il succède là à Félix Vendeur, professeur de flûte né en 1856 à Nîmes, décédé subitement le 8 avril 1918 qui lui-même avait pris la suite l’année précédente d’Adolphe Dietrich nommé en 1914 et également mort subitement le 28 décembre 1916. Ancien élève de l’Ecole Niedermeyer, organiste à Narbonne, puis à partir de 1872 à Dijon (Saint-Michel), Dietrich avait recueilli dans ce Conservatoire la succession de Jean-Baptiste Lévêque, démissionnaire en janvier 1914 après une longue carrière de 36 années dans cet établissement. On doit notamment à Louis Dumas, à l’image du Conservatoire de Paris, la fondation à Dijon en 1927 d’un Théâtre d’Application pour permettre aux élèves ou anciens élèves de son établissement de se produire en public : la première séance eut lieu le 8 novembre avec le concours des classes de musique, chant et déclamation.

Menant de front ses fonctions de direction de conservatoire où il enseigne aussi l’harmonie, et de chef d’orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire de Dijon, il n’abandonne pas pour autant la composition, augmentant son catalogue de nombreuses œuvres nouvelles parmi lesquelles on peut citer de la musique concertante : Rhapsodie pour violoncelle et orchestre et version pour violoncelle et piano (Deiss, 1926) ; de la musique de chambre : Quatuor pour 3 cordes et piano (1931), 2 Sonates pour violon et piano et une pour violoncelle et piano (1935), Rhapsodie pour violoncelle et piano (1926, Deiss), Trio pour piano, violon et violoncelle, Barcarolle, pour piano et violon solo, violoncelle et contrebasse ad libitum (1929, Leduc), Pavane sentimentale pour quatuor à cordes (1930) ; des pièces pour un instrument seul : En Sous-bois et Fétiche de Gassin pour guitare (Leduc), Nocturne pour piano, op. 33 (Sénart, 1922), Thème et Variation pour piano (Editions Musicales Transatlantiques) ; une légende lyrique en 2 actes : La Vision de Mona, livret de Desuaux-Verité et Jean Fragerolle, dont « l’action est d’un caractère âpre, dur et triste, presque désespéré » (représentée pour la 1^ère fois le 15 octobre 1931 à l’Opéra de Paris) ; une Messe pour soli, chœur, orgue et orchestre et plusieurs mélodies pour voix et piano : Soir et L’Ephémère, poésies de Marcel Legrand (1924, Sénard), Invocation, poésie de Henri de Régnier (1925, Deiss), Tristesse d’aimer, poésie de Roger-Milès (1925, Eschig), Les Vêpres sonnent, poésie de Louis Mercier (1925, Deiss), Buis bénit, poésie de Henri Allorgue (1926, Deiss), Le Baiser volé, poésie de Henri Allorgue (1928, Deiss), Green, poésie de Paul Verlaine (1929, Evette). Mentionnons aussi le chœur à 4 voix mixtes A Cassandre, musique de scène pour le drame Aux jardins de Ronsard de son fils René-Louis Dumas (H. Lemoine) et un opéra resté inédit Selma.

Chevalier de la Légion d’honneur (1931), Officier de l’Instruction publique, Louis Dumas est décédé le 8 mai 1952 à Dijon et ses obsèques célébrées le 10 mai en l’église Saint-Michel. Marié en 1919 à Louise Rossi, née en 1881, alors veuve en premières noces du Capitaine d’infanterie Xavier Heym mort au champ d’honneur le 27 août 1915 à Marcheville (Meuse) à l’âge de 37 ans, celle-ci décédait à l’âge de 56 ans le 14 novembre 1937. D’une précédente union, Louis Dumas avait eu un fils : René-Louis Dumas, né le 20 février 1902 à Paris, mort le 26 juin 1976 au Mesnil-Saint-Denis. Avocat à la Cour de Paris, René avait aussi quelque goût pour les lettres et c’est ainsi qu’on lui doit un roman Myrio, 2 recueils de vers : Le Jongleur (Paris, Aux Editions Internationales, 1935) et La boutique bleue (Paris, Edition Cahiers d’art et d’amitié, 1942), le drame en 4 actes Aux Jardins de Ronsard, (Prix Paul Hervieu de l’Académie française, 1952) écrit en 1942 et créé le 8 octobre 1946 au Grand Théâtre de Dijon par la Compagnie d’art dramatique de l’acteur et artiste lyrique Léon Rappeneau avec ballet, chœur et orchestre et une musique de scène de son père. Celle-ci comporte une introduction, quatre danses du XVIe siècle, un morceau d’orchestre, un chœur écrit sur un psaume de Clément Marot et un quatuor vocal composé sur le célèbre poème de Ronsard A Cassandre. Signalons encore une pièce en un acte Prêtez-moi votre fils (1974).

En guise de conclusion, laissons la parole à Gabriel Bender qui écrivait au moment du décès de Louis Dumas ces quelques lignes d’hommage : « … la modestie de Louis Dumas et son éloignement de Paris, de ce Paris qui fait et défait les réputations, ne lui ont pas permis d’occuper la place de premier plan à laquelle il avait droit. Il partage ainsi le sort d’un Ropartz, d’un Ladmirault, d’un Bachelet, d’un Mariotte, d’un Larmanjat, d’autres encore. Hormis ses deux actes La Vision de Mona, représentés à l’Opéra en octobre 1931, Paris ne connaît guère de Louis Dumas que quelques mélodies, quelques pièces instrumentales ou de musique de chambre données de-ci de-là. Mais la personnalité si sympathique de ce grand éducateur, de ce grand compositeur aussi, demeure en toute sa musique dont Paul Landormy disait qu’elle est « simple et directe, ardente, colorée, poétique, comme tout ce qu’il a composé... »

Quant à l’homme, « il était l’affabilité même. Sa courtoisie, sa simplicité, l’espèce de rayonnement qu’il dégageait, forçaient irrésistiblement la sympathie », ainsi pouvait-on lire en 1952 dans le quotidien La Bourgogne Républicaine.

Quelques œuvres de Maurice Le Boucher vues par le journal musical Le Ménestrel

Petite revue d'articles relatifs à des œuvres de ce compositeur, Premier Grand Prix de Rome.

« Nous avons eu dans la salle du Conservatoire, le 19 décembre, l'audition annuelle des envois de Rome, consacrée cette fois aux oeuvres de M. Maurice Le Boucher, grand prix de 1907. Le programme de la séance s'ouvrait par deux morceaux symphoniques intitulés les Heures antiques ; le premier, Au Bois sacré, est une sorte de pastorale où dominent la flûte et le hautbois, d'une couleur agréable et qui se termine d'une façon mystérieuse ; le second, la Danse des Faunes, commence par une introduction à trois temps, que suit bientôt une danse bien rythmée qui ne manque ni de lumière ni d'éclat. Mme Mellot-Joubert est venue nous faire entendre ensuite, avec son style souple et plein de grâce, une série de vieux airs de Gustave Lambert, le beau-père de Lully, si célèbre au dix-septième siècle par ses chants et sa façon de les interpréter, et que Boileau lui-même n'a pas dédaigné d'illustrer. La bibliothèque de l'Arsenal possède un recueil manuscrit d'airs de Michel-Lambert qui n'ont jamais été publiés. Ce sont des airs (de simples couplets) que M. Le Boucher a « reconstitués », au dire du programme, en y joignant un accompagnement de clavecin, quinton, viole d'amour, viole de gambe et basse de viole (instruments tenus par Mme Patorni, M. Casadesus, Mlle Schreiber, M. de Bruyn et M. Devilliers). Ce sont là des sortes de petits pastels musicaux, aux couleurs un peu passées, mais d'un charme discret, et auxquels leur accompagnement ingénieux rend un peu de relief. Le contraste était complet entre cette musique aux contours arrondis et la sonate en si mineur pour piano et violon que MM. Lazare Lévy et Georges Enesco ont ensuite exécutée. Cette sonate est divisée en deux parties, dont la première comprenant deux morceaux reliés entre eux (Allegro moderato— Largo), et la seconde trois morceaux s'enchaînant de même (Allegro scherzando — Andante espressivo — Agitato molto). L'oeuvre est intéressante quoique manquant d'originalité, et l'on y voudrait surtout une inspiration plus fraîche et plus généreuse. Ce qu'elle me paraît offrir de meilleur, c'est l'Allégro scherzando, qui est assez singulier, et l'Agitato molto, qui ne manque pas de chaleur. La séance se terminait par trois Répons pour choeur, orchestre et orgue, tirés des Lamentations de Jérémie, musique assez ample et d'une bonne sonorité. En résumé, ce qui fait un peu défaut dans tout ce programme, c'est le tempérament, c'est la personnalité. Tout cela est intéressant, mais sans grand relief et un peu court d'inspiration. Attendons M. Le Boucher à une oeuvre importante. A. P.

« Société Musicale Indépendante — Ce fut une très heureuse initiative que de nous réserver, au concert donné le 7 janvier à la salle des Agriculteurs, la primeur d'une oeuvre importante : Le Roi d'un Jour dont le poème est de M. Georges Chennevière et la musique de M. Maurice Le Boucher, le distingué directeur du Conservatoire de Montpellier. C'est un cycle de vingt poèmes chantés n'empruntant rien à la légende ni à l'histoire, évoquant au contraire, sous la forme la plus volontairement dépouillée, une aventure simple, familière : celle d'un inconnu qui entre par hasard dans une pauvre maison, rend à deux vieillards quelque chose de leur lointaine jeunesse, secoue la torpeur d'un village, éveille au coeur d'une fillette un amour qu'elle n'ose avouer et repart comme il est venu, laissant derrière lui un reflet d'espérance qu'éclaire le prisme du souvenir.

Le texte délicieux de M. Chennevière fait curieusement usage de mètres variés, maniés avec une étonnante souplesse, mais toujours coulés dans le moule de la strophe qui donne plus d'unité à l'ensemble et plus d'autorité au texte versifié. M. Maurice Le Boucher a su renforcer ce texte en en prolongeant l'écho, créer l'atmosphère et dégager l'émotion par des moyens simples et des accents justes, en témoignant d'un sentiment très délicat, très pénétrant, exprimé dans une langue musicale élégante, mesurée et discrète. Aucun parti pris de chapelle : l'auteur use aussi bien, selon les besoins suggérés par le texte littéraire, d'un style traditionnel, presque scolastique, comme dans le Prélude fugué que d'un modernisme savoureux comme dans Nocturne. Il fait preuve tour à tour d'une frappante originalité, rythmique dans Gaspard, d'un sens pittoresque dans On frappe, Aube ou En passant, d'une piquante intention drolatique avec le Roi Pépin.

Mme Mellot-Le Boucher, qu'on n'avait pas entendue à Paris depuis assez longtemps, reste la remarquable artiste que nous avons si souvent applaudie, possédant toujours autant de sûreté vocale que d'intelligente et fine sensibilité. Le Quatuor Bastide a accompagné avec un art accompli ces vingt jolis poèmes, secondé par l'auteur, qui tenait excellemment le piano. P.B. »

« Académie Nationale de Musique. — La Duchesse de Padoue, action dramatique en deux actes, d'après le drame d'Oscar WILDE, livret de Paul GROSFILS, musique de Maurice LE BOUCHER. — […] Les biographes d'Oscar Wilde s'accordent à juger la Duchesse de Padoue comme la plus faible de ses productions de théâtre. On les en croit sans peine. En 1883, son premier essai : Vera ou les Nihilistes, venait d'être fort mal reçu. Dans le vain espoir de conquérir, cette fois, le succès, il se hâta de brocher un gros mélodrame, dont l'action est tissue d'inconséquences, les personnages dépourvus de caractère, et les accessoires pittoresques, les scènes de comparses, l'évocation du décor, inutilement démesurés. […]

Et je trouve beaucoup de mérite à M. Maurice Le Boucher de leur avoir créé une sorte d'ambiance musicale et pittoresque, d'en avoir souligné avec quelque force les moments essentiels, - d'avoir donné une apparence de vie à ces fantoches : Où il n'y a que du bavardage inutile, l'inspiration peut-elle naître ? On ne peut que relever le texte par la fermeté de la déclamation et des effets d'orchestre largement brossés. Le musicien n'y a pas manqué. »

« Comme première audition nous avions un curieux Fox-Trot de M. Maurice Le Boucher... fox-trot écrit en l'honneur de toutes les jeunesses du monde. Pour contribuer au rapprochement des peuples, à l'établissement d'une amitié entre tous les étudiants de la terre (Si tous les gars du monde voulaient s'donner la main...). Ce fox-trot, espérons qu'on ne le dansera pas sur de nouveaux champs de bataille. Il test écrit, on le sent dès les premières mesures, par un musicien accompli. L'orchestration en est très habile mais eût, je pense, gagné à tenir compte davantage des prodigieuses ressources du jazz. Au milieu, un très joli motif langoureux, qui sent la terre d'Espagne, s'intercale comme un rêve, et puis le rythme du fox-trot reprend vigoureusement et Jeunesse du Monde s'achève dans la lumière. »

Trompette. Les dix élèves de l'excellente classe de M. Vignal ne semblent pas avoir été très favorisés cette année par le morceau de concours (Scherzo appassionato de M. Maurice Le Boucher) assez ingrat et suscitant parfois brusquement, dans l'aigu, des sonorités criardes qui rompent le charme de cette voix héroïque et dont fort peu de concurrents ont réussi à atténuer le caractère déplaisant. »

Flûte. Le morceau de concours : Ode à Marsyas de M. Maurice Le Boucher, est écrit pour que l'instrumentiste puisse chanter à son aise et déployer toutes ses ressources de légèreté et de finesse. Si les concurrents n'en firent pas toujours ressortir la fantaisie chaleureuse, chacun sut montrer une sonorité égale et un acquis sûr. Rendons grâce à M. Moyse d'être aussi habile pédagogue que talentueux artiste. » (19 juin 1936, p. 200)

Ayant le grand bonheur d'avoir connu, dès la première heure, le triomphateur d'aujourd'hui, je saisis avec joie l'occasion d'un succès dont je ne suis pas seul à me réjouir, pour présenter, en quelques mots, au grand public, le nouveau grand prix de Rome de composition musicale.

Né le 29 juin 1885 [à Paris], André Gailhard manifesta de tout temps de précoces dispositions musicales. Fils de M. Pedro Gailhard, dont il reçut, durant les premières années de son enfance, les meilleurs conseils et les plus tendres encouragements, il connut donc l'heureuse influence d'un milieu essentiellement musical.

Après avoir travaillé tout d'abord, sous la direction autorisée de Paul Vidal, le jeune musicien entra en 1900 dans la classe de Xavier Leroux. Il y puisa le sentiment exact de la technique exigée par l'art musical moderne. Comme tant d'autres prix de Rome déjà, André Gailhard fait honneur à l'enseignement du maître.

Sous les auspices de M. Charles Lenepveu et de M. Georges Caussade, André Gailhard connaît les douceurs de la fugue et du contrepoint. Son concours de première année lui vaut un second prix de fugue ; l'année suivante, un premier prix de fugue et le second grand prix de Rome font concevoir les meilleurs espoirs au sujet du jeune compositeur. Moins chanceux en 1907, André Gailhard peut oublier aujourd'hui cette déception d'une heure, puisque d'une manière éclatante, il a définitivement triomphé.

Les travaux scholastiques n'ont point exclusivement absorbé le musicien. Il est l'auteur d'un assez grand nombre de mélodies charmantes et de deux ouvrages plus sérieux : L'Aragonaise et Amaryllis. Le premier, ballet coloré et d'une facture élégante, fut joué par Mme Otero et promené par elle dans les principaux centres d'Europe ; le second, délicieux conte lyrique, connut un succès persistant au Théâtre de la Monnaie, à Bruxelles, et sur les scènes de Bordeaux, de Pau et de Toulouse.

Nature généreuse et claire, aux caractéristiques nettement françaises, André Gailhard joint aux dons les plus enviables, une connaissance approfondie de son art. Il est un musicien de cœur et de métier. Il est aussi un être éminemment sympathique dont on recherche la franche et cordiale amitié. On ne peut donc qu'espérer pour lui des succès très prochains que son talent rend légitimes et que son caractère fait souhaitables.

L'Académie des Beaux-Arts se réunissait hier, dans la grande salle de l'Institut, pour entendre et juger les cantates des jeunes compositeurs, candidats au prix de Rome, M. Luc Olivier-Merson présidait et M. Henri Roujon, secrétaire perpétuel, l'assistait. L'audition provisoire du Conservatoire avait eu lieu la veille, avec le plus absolu secret — pas si absolu cependant que la rumeur n'ait transpiré de la faveur qui avait accueilli l'oeuvre de M. André Gailhard.

La séance d'hier a vivement intéressé. Presque toutes les cantates témoignaient d'un effort sinon d'un talent déjà personnel, et quelques-unes étaient remarquables. L'absence heureuse en résultait de cette monotonie qui plane sur les auditions de ce genre. Il convient de reconnaître que les compositeurs ont été singulièrement aidés, cette fois par le livret, littéraire et ingénieux, de MM. Adenis et Desvaux-Vérité.

L'action se passe en Bretagne. Anne-Marie déplore l'absence de son fiancé, le marin Jann, et soupire, aurait dit Népomucène Lemercier, après son retour. Elle invoque la protection de la Dame de la Mer : la Sirène, qui, touchée par les larmes de la jeune fille. lui promet le retour, prochain de son fiancé. Mais elle exige, en retour, d'Anne-Marie, le serment de lui rendre Jann quand elle l'ordonnera.

Le marin est de retour et la joie des transports retrouvés rend les deux amants oublieux de la promesse qui enchaîne leur avenir. La Sirène réclame sa proie Anne-Marie tente une lutte inégale. Sa tendresse pour, Jann ne réussit pas à fléchir, la rigueur de la Sirène, qui triomphe et entraîne le marin.

Il y avait là matière à des développements musicaux très dramatiques et l'occasion était belle aux natures de théâtre de se manifester. Il est certain qu'à ce point de vue, la cantate de M. André Gailhard, qui a obtenu le prix de Rome, s'imposait incontestablement. Tous les dons dramatiques du jeune compositeur s'y manifestèrent : de la vigueur, de la flamme, un sens très sûr des situations et des caractères — toutes ces qualités, mises en valeur par la technique rigoureuse d'un harmoniste distingué.

L'Institut, par 18 voix, a ratifié le jugement déjà prononcé par une salle favorable. Cette décision n'a pas été prise cependant sans discussion, puisque neuf voix se sont portées sur le nom de M. Mazellier. Son œuvre, très distinguée aussi, est d'une inspiration absolument différente. Il y règne un sentiment poétique très délicat, et il s'en dégage une grande impression de douceur et de tendresse générales. L'écriture est adroite et artiste. M. Mazellier est déjà un musicien accompli. Mais sa nature est autre que celle de M. Gailhard, de qui 1 inspiration, plus appropriée au sujet, a triomphé.

Et, rançon inévitable des sentiments opposés que le jugement de l'Institut devait inspirer aux deux grands rivaux, qui sont aussi deux grands amis, la joie de l'un devait nécessairement entraîner l'amertume de l'autre; mais cette pensée doit donner courage à celui-ci, que son œuvre n'a été discutée que pour ses titres à la plus haute récompense.

Ces deux cantates ont été parfaitement interprétées : Mlle Grandjean, Mme Guiraudon-Cain, M. Muratore, et, au piano, MM. Léon Moreau et Salomon, ont fidèlement traduit la pensée de M. Mazellier. Mais je veux louer particulièrement les interprètes de l'œuvre de M. André Gaihard : Mlle Chenal et Mlle Verlet, admirables cantatrices ; M. Devriès, artiste éprouvé, et ces excellents musiciens MM. Chadeigne et Maxime Dardignac. Dans un élan reconnaissant et spontané, M. André Gailhard leur a attribué tout le mérite de son triomphe. En vérité, je pense que c'était là une charmante exagération.

Un second grand prix a été attribué à Mlle Nadia Boulanger, de qui la cantate, très musicale, abonde en heureuses inventions harmoniques, et bien que presque exclusivement symphonique dénote une vive intelligence du texte. Mlle Nadia Boulanger s'est affirmée une fois de plus une remarquable symphoniste. Mlles Lamare et Winsbach et M. Plamondon, qu'accompagnaient M. Marcel Dupré et Mlle Boulanger elle-même, ont été ses excellents interprètes.

M. Flament a obtenu une mention honorable, et cette récompense a un peu surpris. Certes, son œuvre est consciencieuse, bien écrite ; on y sent le travail appliqué d'un musicien, maître de sa technique, mais l'inspiration ne témoigne pas d'une puissante originalité. Il n'apparaît pas nettement pourquoi cette cantate a été préférée à celle de M. Marc Delmas, homme de théâtre évidemment, au tempérament plus dramatique, ayant le sens de la vie et du mouvement, cantate dont la partie principale, le thème de la Sirène, m'a semblé fort remarquable.

Et l'œuvre de M. Tournier n'était-elle pas d'une inspiration jolie, avec de la fraîcheur et un sentiment assez heureux, pareil à la musique qui l'exprimait ?

Je crois que le succès de M. Flament est dû à une interprétation parfaite, et je veux particulièrement complimenter Mlle Rose Féart, admirable chanteuse et artiste vraiment secourable aux compositeurs hésitants. Mlle Lassalle et M. Corpait, très bien accompagnés par MM. Galabert et Flament, la secondèrent adroitement.

De quoi il serait téméraire de conclure que Mlles Demellier et Laute-Brun, et M. Fernand Lemaire, Mlles Gall et Vauthrin, M. Dantu et les musiciens Boulnois et Mme de Faye-Jozin, interprètes de MM. Tournier et Delmas, ne méritèrent pas les plus grands éloges.


Ravel-Szymanowski par le Quatuor Joachim (CD Calliope CAL1747) paru en 2018.


Neige pour piano (in Album Musica, éditeur P. Lafitte et Cie, 1909) Fichier audio par Max Méreaux (D.R) et partition au format PDF	Pièce en mi majeur pour orgue ou harmonium (in J. Joubert, Les Maîtres contemporains de l'orgue, Sénart,1911) Fichier audio par Max Méreaux (D.R) et partition au format PDF


Marcel Tournier, Au seuil du Temple extrait de la Suite n° 1, op. 29, Trois Images pour harpe, dédicacées "à Micheline Kahn" (Paris, éditions Henry Lemoine, 1925) DR. Fichier audio par Max Méreaux (DR.)